时装周,秀场,赵露,虞书欣
暨电视剧开播热度后，粉丝们又找到了各家明星新的“攀比”项目。
那就是即将到来的时尚周行程，仿佛这已经成为判断明星的咖位、时尚度和商业价值是否在线的重要标准了。
虞书欣行程
还没出发，虞书欣和赵露思的粉丝就开始引战了，从海报生图、参加次数到通稿评论对比都火药味十足。
这还只是预告，等时装周行程真正开启，热搜就会变成各家粉丝的争抢之地。扎堆的明星如何抢占头条抓人眼球，就各凭本事了。
国内明星参加四大时装周，最早要追溯到张曼玉。1998年她受邀参加巴黎时装周，第一次去就是为Hermes走秀。
当时在电影界声誉在外的她，被品牌形容为“来自东方的女神”，由此四大时尚周开始出现华人。
后来凭借穿搭大火的杨幂开始征战时装周，备受外界关注。明星们逐渐批发式看秀。
时至今日，时装周已经成为社交平台每年报道的保留项目了，一点小话题都能掀起大波澜。
不过看了这么多年秀，似乎很多人都没搞懂时装周到底都在“看”些什么。
不同人看的角度有什么差别吗？我们普通人又该如何学习“看懂”一场秀呢？
01
看秀看的到底是什么
秀场的看客们主要分为几类，一类是品牌捧在手心的VVVIP（也就是VIC），一类是媒体工作者，比如各大秀场的“定海神针”安娜·温图尔。
标志性墨镜一目了然
尊贵的VIC客户一般都是能最先拿到新款的那批人，走下秀场后他们就会交出想要的单品list，也自然成为品牌最看重的群体。
这几年很多品牌在本土办完首秀后都会在中国举办一场复刻秀，比如孙燕姿“重出江湖”，井柏然镜头紧跟刘雯的名场面，就来自BV北京大秀。
办完后会直接催生成倍的销量增长，预定量暴涨。
我曾问过一些秀场常客看秀时在想什么，他们不太关注每一季设计的关联和趋势，更在意有没有让人眼前一亮的新款，着重找找一眼看过去就重工又显品位的单品。
比如Prada官方售价5w起步且只能预定的裙子
秀场结束后开放的showroom，一般服务尊贵客户下订，很多一眼看过去极度不实穿的单品只是为了完善设计理念，最后并不会真的量贩，但VIC们享有下单特权。
可实体感受面料和剪裁
相比于大众，他们见过太多厉害的工艺和设计，更容易被出其不意的巧思吸引，这也成为大众疑惑“这种衣服到底卖给谁”的最终答案。
尤其是各种重工刺绣、钉珠
媒体工作者们就没那么清闲了，了解当季的流行趋势、记录值得推荐的品牌新品，挖掘品牌故事和秀场花絮才是他们的看秀目的。
通常他们在拍照的时候脑子里已经在进行新设计的针对性描述了，以便秀一结束就能及时将拍好的照片、写好的素材回传，抢夺率先在媒体平台曝光的先机，很少真正享受时装而是在完成一项密集的工作。
而那些要采访明星、设计师的媒体人还要马不停蹄开展新工作，说不定还要赶赴下一场秀。
还有一类是各大顶尖买手们，他们除了看秀做笔记之外，还要为下单做筛选和准备，要知道除了官方门店，所有买手店、集成店会陈列和售卖什么样的款式、预定什么码号、是不是符合客户的审美等问题都需要他们快速决定。
然后到订货会上确认实物、订单
可能在很多人眼中，买手是一个可以天天逛街看秀的光鲜工作，但事实上他们拿出手机齐刷刷拍照，只是为了记下款式方便后续对账罢了。
早年章小蕙的状态就非常写实
至于明星们，他们更重要的任务是从机场图开始帮品牌传播，以及整个时装周期间的物料拍摄露出。
以往大家在时装周拍上一圈照片，就能输出《XXX惊艳亮相时装周》的相关内容了，这两年叔发现明星们逐渐懂得靠热梗来出圈了。
只要在各平台曝光足够就稳赚不亏，也难怪粉丝笑称是时装周把内娱盘活了。至于明星们的邀请秘辛、座位安排，以及给明星的看秀造型都大有来头，碍于篇幅叔先不展开了，大家感兴趣的话叔可以单开一期。
02
如何看懂设计师想表达什么
既然秀场是设计师的艺术表达，那么每一个细节都在传递着重要信息。
侯赛因·卡拉扬就把时装秀作为他每次创作表达的载体，通过装置、机械、声音等媒介来讨论他关心的移民、战争等文化话题。
尤其是称为时装界经典教科书的2000年秋冬系列，他直接把家具变形为可穿戴的服饰，折叠着提起变成半身裙，沙发拆卸后为全套服装，先锋的表现手法放到今天也很难归类。
将3D打印玩出花的鬼才设计师Iris Van Herpen更是将植物膜、羽毛、细菌、电磁波作为设计灵感来源，让大家第一次知道未来的科幻感不是只能停留在屏幕前。
那么我们普通人如何看懂一场秀呢？
1.整体置景
每季设计师都会花大心思在场地的整体布置上。
如果没有秀后的采访稿，TA所想表达的故事背景和设计灵感都是通过空间布置、灯光、音乐和广告MV等细节来呈现。
这也是线上看秀和现场看秀最大的体感不同。
很多品牌都有自己偏爱的场地，有些是因为场地空间够大，能承载设计师的各种幻想，比如巴黎大皇宫之前一直是Chanel大秀必选地。
乡村牧场、未来机舱、水晶矿场等至今仍被津津乐道的秀场布置都是在这里完成的。
有时品牌也会为了迎合用户的心理投其所好，比如来中国办秀的品牌会选择恭王府、豫园、长城等带有本土文化底蕴的空间。
Prada 恭王府
Valentino 颐和园
去年在阿那亚举办的LV 23男装秀更是打造了一个时髦社区，将夜晚海滩构建出一座雕塑城市来模拟孩童小时候堆沙的场景。
放大的童真元素在成衣上得到延续，搭载想象力的纸飞机停落在西服上，大量的钩花、串珠结合玩味的包袋展现了生机勃发的少年感，主题一目了然。
而Valentino则是在官方展示视频里就展现了设计师的意图：与黑领带有关。
大量出现的黑领带不仅点名主题也巩固记忆
干脆直白如Gucci则直接选址在洛杉矶街道，让模特仿若刚收工的明星，众神穿过银幕，缔造从梦幻世界涌向现实街道的感官体验来致敬好莱坞。
耀眼的追光设置也模拟了好莱坞盛景
2.选角
秀场模特的表情、妆容和发型也隐晦地表达着整场秀的主题。
大范围彩色+钢珠衬托华丽摇滚风
强化牛仔面料选用同款蓝色
近年来为了增加关注度和讨论度，很多大牌开始选用明星参与走秀，试图展现真正的鲜活的个人属性，削弱模特相对冰冷的形象。
3.服装
不过更重要的还是设计本身，通过搭配方式、款型、色彩和细节就能判断接下来的主流趋势。
内衣外穿、露脐在当下不缺话题度
尤其是开场和闭场的两套look，会在一定程度上反映设计师的想法，因为开场是能够快速表达本季主题的核心，而结尾则可以理解为“重强音”的设置。
老佛爷每次秀场压轴都狠狠发力
如果一个元素频繁出现三次以上，那么它一定是这场秀的主要表达。
大胆的色彩搭配也是很多穿搭博主日常借鉴来源，包括最近流行的美拉德风，就是从秀场穿搭中流行开来的。
Miu Miu上半身绝望主妇，下半身娇俏女教师的风格一看就是刚睡醒或刚下班，简直是“演我状态”。
这种巧妙融合当下复古感和混搭风就连带整体系列的单品成为爆款。加上独树一帜又古灵精怪的形象逐渐深入人心，想不火都难。
包括LOEWE的3D打印、皮革乳胶等多材质设计，模拟了裙子扬起褶摆、被挤压的动态被巧妙捕捉，加上现场用皮革打造的巨型南瓜与时装系列相呼应，充满着超现实主义的幽默和美感。
03
我们为什么仍需要看秀
回到开头的问题，明星为何要挤破头去看秀？
要知道每季时装周都能创造上百亿的流量，光是ins流量就是一笔不小的收入，而这也成为明星和品牌后续深度联系的基础，逐渐成为商业度和价值的佐证。
在善变的世界中输出稳定的形象，这也是品牌提供的情绪价值。
同时明星曝光依然是品牌不可放弃的营销手段，在秀场的报道和传播上也呈现出明显的明星导向。
很多好的设计在这种舆论环境中被稀释，本该聚焦在秀场上的注意力被转移到明星身上，造成明星抢设计风头的现象。
尽管如此，时装周最迷人的地方还在于它的造梦能力，不被时间流逝而改变，始终骄傲地恪守着传统时装精神，用设计和剪裁一笔一刀刻画出每一件单品。
所谓的时尚“下沉”，不过是更加包容和开放，让更多人参与和享受时尚美学乐趣的方式之一。
哪怕它在很多人眼里是不实用、没有价值的，但艺术本身又如何评判它的价值呢？
就像《手艺》里提到的坛城沙画、前段时间传遍全网的打铁花一样，很多极致的美感转瞬即逝，甚至没有实质的载体，也经不起时间的考验。
费力画完之后他们会抹去再创作新画
但仍然有很多人向往它的华美、精致乃至是虚幻，不断突破对于美的探索边界。
既然是梦，就别用其他的热搜掩盖它的光芒。
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原文链接：赵露思虞书欣齐聚时装周，原来秀场对比虐的不是脸，是脑？
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